Coreógrafo / Coreógrafa

Un coreógrafo o una coreógrafa es quien crea y organiza el movimiento de una obra o producción. Decide cómo se relacionan los cuerpos, el espacio, el tiempo y, cuando corresponde, la música. Puede trabajar en danza, teatro musical, ópera, cine, televisión, videoclips, publicidad, eventos y proyectos comunitarios.

Coreógrafo qué hace, qué estudiar y cómo trabajar

Su trabajo incluye investigar, probar propuestas con intérpretes, dirigir ensayos y adaptar una creación a sus condiciones de presentación. La idea inicial puede surgir de una historia, una pregunta, una música o una exploración del movimiento; una coreografía también puede ser abstracta y desarrollarse sin acompañamiento musical.

¿Cómo se llama a un coreógrafo en otros países?

En los países de habla hispana se utilizan coreógrafo y coreógrafa. En otros idiomas y ámbitos profesionales se utilizan estas denominaciones:

• En inglés: choreographer, una denominación sin cambio de género gramatical.
• En francés: chorégraphe, tanto para un hombre como para una mujer.
• En portugués: coreógrafo y coreógrafa, términos utilizados en Brasil y Portugal.
• En italiano: coreografo y coreografa.
• En propuestas de creación contemporánea: también podés encontrar expresiones como creador o creadora escénica y artista del movimiento. Estas denominaciones abarcan distintas tareas de creación escénica.

Movement director, o director de movimiento, es una función relacionada: puede trabajar sobre gestos, desplazamientos y lenguaje corporal de actores o artistas, aunque el resultado no sea un número de danza. Del mismo modo, un director artístico, un asistente coreográfico y un docente tienen responsabilidades distintas.

¿De dónde viene la palabra coreógrafo?

El Diccionario de la lengua española relaciona coreógrafo con el griego choreía, que significa «danza en coro», y con el elemento -grafo. A su vez, registra coreografía como una palabra derivada de coreógrafo.

La definición de coreografía de la RAE incluye tanto la composición de bailes como su representación mediante signos. Esa relación ayuda a comprender dos dimensiones del oficio: crear movimiento y encontrar formas de registrarlo y transmitirlo.

Grandes coreógrafas y coreógrafos: referentes de Latinoamérica y del mundo

La creación coreográfica latinoamericana comprende propuestas de danza contemporánea, ballet, danzas populares y trabajo comunitario.

Referentes de Latinoamérica

Amalia Hernández — México: investigar tradiciones y llevarlas a escena

Se formó en la Escuela de Danza del Departamento de Bellas Artes, donde estudió distintas técnicas, incluidos bailes regionales y danzas mexicanas con Nellie y Gloria Campobello. En 1947 se incorporó a la Academia de la Danza Mexicana como maestra y coreógrafa. Para su obra Sonatas trabajó con diseños de Juan Soriano y música de Domenico Scarlatti.

Desarrolló compañías propias y colaboró con el coreógrafo Felipe Segura en el proceso que dio origen al Ballet Folklórico de México. Su trabajo llevó materiales de tradiciones regionales a una elaboración escénica. La semblanza de Amalia Hernández del INBAL explica su recorrido entre aprendizaje, creación y dirección de compañía.

Gloria Contreras — México: del aprendizaje internacional a un proyecto universitario

La coreógrafa mexicana estudió con Nelsy Dambré en México y se formó en la School of American Ballet de Nueva York, en el entorno de George Balanchine. Bailó en el Royal Winnipeg Ballet y desarrolló su propia compañía en Nueva York.

En 1970 fundó el Taller Coreográfico de la UNAM, que dirigió hasta 2015. Su carrera combinó composición, trabajo con bailarines y la construcción de un espacio de producción y difusión dentro de una universidad. La semblanza de Gloria Contreras publicada por Danza UNAM documenta tanto su formación como su actividad internacional.

Alicia Alonso — Cuba: interpretación, versiones coreográficas y formación de una escuela

Ingresó en 1931 a la escuela de ballet de la Sociedad Pro-Arte de La Habana, dirigida por Nicolai Yavorski. Continuó su preparación en Nueva York, en la School of American Ballet y con Alexandra Fedorova. Como intérprete trabajó con Anton Dolin y estrenó Tema y variaciones, de George Balanchine.

En 1948 impulsó la compañía que se convertiría en el Ballet Nacional de Cuba. Además de bailar, ejerció la dirección, la docencia y la creación de versiones coreográficas de obras como Coppélia y Giselle. La biografía de Alicia Alonso de la Universidad de Guadalajara documenta estas dimensiones de su carrera.

Deborah Colker — Brasil: de la danza contemporánea a la dirección de movimiento

Su formación incluyó el estudio del piano y la práctica de voleibol. Se inició en la danza contemporánea como intérprete del grupo Coringa, dirigido por la uruguaya Graciela Figueiroa. En 1984, una invitación de la actriz Dina Sfat abrió una etapa de trabajo teatral como directora de movimiento, en colaboración con equipos de actuación y dirección.

Posteriormente desarrolló su compañía, que inició su actividad en 1994, y dirigió OVO para Cirque du Soleil en 2009. Su carrera conectó la danza contemporánea con el teatro y el circo. La biografía oficial de Deborah Colker y la historia de su compañía describen ese desarrollo.

Oscar Araiz — Argentina: formación con maestros, compañías y trabajo interdisciplinario

Se formó en danza y coreografía con Dore Hoyer, Renate Schottelius y otros maestros. Fue fundador y director del Ballet del Teatro San Martín; también dirigió el Ballet del Teatro Colón y el Grand Théâtre de Ginebra. Entre sus obras se encuentran La consagración de la primavera, Romeo y Julieta y La cabalgata argentina.

Además, codirigió con Emilio Alfaro Don Fausto, de Pedro Orgambide, y trabajó como coreógrafo en películas de realizadores como Simón Feldman y Luis Puenzo. El programa del Teatro Colón que incluye la biografía de Oscar Araiz documenta sus estudios y actividades.

Patricio Bunster — Chile: técnica, creación y memoria social

Después de estudiar Arquitectura, eligió formarse en danza en la Universidad de Chile. Su aprendizaje se vinculó con Ernst Uthoff, Kurt Jooss y Sigurd Leeder; estudió con este último en Londres. Desarrolló una carrera como intérprete y coreógrafo relacionada con el Ballet Nacional Chileno.

Creó obras como Calaucán, inspirada en versos del Canto general de Pablo Neruda, y fundó junto a Joan Turner el Centro de Danza Espiral, dedicado a la formación. La Biblioteca Nacional de Chile documenta su formación y desarrollo como intérprete y su trayectoria de creación y docencia.

Álvaro Restrepo — Colombia: creación contemporánea y proyecto educativo

Estudió música, filosofía y letras y teatro antes de dedicarse a la danza. Con una beca del Icetex viajó a Nueva York, donde se formó con referentes como Jennifer Muller, Martha Graham, Merce Cunningham y Cho Kyoo-Hyun. En 1986 creó Athanor Danza y desarrolló obras como Rebis.

En 1997 cofundó con la coreógrafa y pedagoga Marie France Delieuvin El Colegio del Cuerpo, en Cartagena de Indias. Su trabajo reúne creación, formación y construcción de un proyecto cultural con dimensión social. La historia y las biografías de El Colegio del Cuerpo explican esa colaboración.

Referentes de Estados Unidos y Europa

Martha Graham — Estados Unidos: desarrollar un lenguaje propio y sostener una compañía

La coreógrafa estadounidense se formó en la escuela Denishawn, vinculada a Ruth St. Denis y Ted Shawn, desde 1916. En 1926 fundó su compañía y su escuela. Su carrera reunió práctica como intérprete, enseñanza e investigación de un vocabulario de movimiento propio.

Colaboró con el músico Louis Horst, el escultor y escenógrafo Isamu Noguchi y compositores como Aaron Copland. La biografía de Martha Graham de la Biblioteca del Congreso documenta su formación y esos vínculos profesionales.

Pina Bausch — Alemania: formación técnica, experiencia internacional y creación colectiva

La creadora alemana estudió en la Folkwangschule entre 1955 y 1959, donde Kurt Jooss fue una figura central de su formación. Continuó sus estudios en Juilliard, en Nueva York, y trabajó en compañías antes de regresar a Alemania.

En la temporada 1973/1974 comenzó su dirección en Wuppertal. Allí desarrolló un trabajo de danza teatro ligado a la investigación con sus intérpretes. Colaboró con Rolf Borzik en escenografía y vestuario; posteriormente trabajó con Peter Pabst y Marion Cito. La Fundación Pina Bausch documenta su formación, sus colaboraciones y el desarrollo de su obra.

Alvin Ailey — Estados Unidos: aprender en una compañía y crear un proyecto artístico

El estadounidense Alvin Ailey comenzó su formación con Lester Horton, animado por su amiga y colega Carmen de Lavallade. Tras la muerte de Horton en 1953, asumió la dirección de su compañía y comenzó a desarrollar sus propias coreografías.

En 1958 fundó Alvin Ailey American Dance Theater. En obras como Revelations, estrenada en 1960, convirtió experiencias culturales y personales en material escénico. Su relación artística con Judith Jamison forma parte de la historia de la compañía. La biografía oficial de Alvin Ailey documenta su formación, sus obras y la dirección de su compañía.

Merce Cunningham — Estados Unidos: técnica, experimentación y colaboración entre disciplinas

Cunningham estudió en la Cornish School de Seattle, donde conoció al compositor John Cage. En 1939 ingresó como solista a la compañía de Martha Graham, en la que permaneció seis años. Fundó su propia compañía en 1953.

Con Cage exploró relaciones entre música y danza que no dependían de una sincronización convencional. También colaboró con artistas visuales como Robert Rauschenberg y Jasper Johns, y exploró posibilidades del cine y la tecnología. El Merce Cunningham Trust documenta cómo combinó preparación técnica, investigación y trabajo interdisciplinario.

Nacho Duato — España: de intérprete a coreógrafo dentro de una compañía

El español Nacho Duato se formó en Rambert, en Londres; en Mudra, la escuela de Maurice Béjart en Bruselas; y en el centro de Alvin Ailey en Nueva York. Trabajó en el Cullberg Ballet y entró en Nederlands Dans Theater en 1981, bajo la dirección de Jiří Kylián.

En ese entorno creó Jardí tancat en 1983, con música de María del Mar Bonet. La biografía publicada por Nacho Duato Academy detalla sus estudios, compañías y colaboraciones.

¿Qué hace un coreógrafo en el trabajo cotidiano?

Las tareas habituales incluyen:

• Investigar y definir la propuesta: estudiar un tema, una música, un contexto cultural o un problema de movimiento.
• Componer: organizar acciones, ritmos, transiciones, relaciones entre intérpretes y uso del espacio.
• Trabajar con el elenco: proponer materiales, recibir aportes, explicar indicaciones y adaptar la dificultad a las personas que participan.
• Planificar y dirigir ensayos: establecer objetivos, revisar resultados y coordinar tiempos con producción.
• Colaborar con otras áreas: acordar decisiones con dirección escénica, música, iluminación, vestuario, escenografía y equipos audiovisuales.
• Documentar y transmitir: registrar versiones mediante videos, notas, esquemas o sistemas de notación, según las necesidades del proyecto.
• Adaptar y reponer obras: ajustar una creación a otro elenco, escenario, cámara o calendario, cuando cuenta con la autorización correspondiente.
• Gestionar su actividad: preparar presupuestos, propuestas, contratos y materiales de presentación cuando trabaja de manera independiente.

La seguridad es una responsabilidad compartida con intérpretes, producción y personal técnico. Una idea debe poder ejecutarse en las condiciones reales de espacio, suelo, vestuario y experiencia del elenco.

La diferencia con un bailarín o una bailarina está en la función principal: interpretar y componer son trabajos distintos, aunque una misma persona pueda realizar ambos. Enseñar también requiere competencias específicas, que se detallan en el perfil de instructor o instructora de danza.

¿Qué formación necesita un coreógrafo?

La formación en coreografía combina práctica corporal, composición y experiencia en proyectos. Crear para otras personas exige conocer el movimiento, saber conducir un proceso y comprender las condiciones de trabajo. Los contenidos y requisitos varían según el género, el país y el puesto.

Conocimientos que conviene desarrollar

• Práctica corporal y técnica: estudiar los lenguajes relevantes para la obra que querés crear. Las exigencias de ballet y de otras técnicas dependen del lenguaje, la compañía y el programa de formación.
• Composición e improvisación: generar, seleccionar y transformar material, construir una estructura y evaluar cómo se percibe.
• Música y ritmo: reconocer patrones, duraciones, silencios y relaciones entre sonido y movimiento.
• Historia y análisis de la danza: conocer referentes y contextos, incluidos los de las comunidades cuyas prácticas estudiás.
• Trabajo escénico y audiovisual: comprender cómo cambian una propuesta el encuadre, el montaje, la luz, el vestuario y el espacio.
• Comunicación y dirección de grupos: dar indicaciones claras, escuchar, organizar ensayos y abordar desacuerdos.
• Cuidado corporal: organizar las cargas de ensayo, los descansos y las condiciones del espacio de trabajo.
• Gestión: calcular costos, presentar proyectos, documentar acuerdos y comprender derechos de autor, de imagen y condiciones laborales.

Universidad, conservatorio, escuelas y aprendizaje en proyectos

Podés encontrar licenciaturas en coreografía o composición coreográfica, carreras de danza con materias de creación y programas de conservatorios o escuelas especializadas. Los talleres, laboratorios y la asistencia en proyectos pueden complementar esos estudios y ayudar a desarrollar experiencia.

Como ejemplos de formación formal, la Universidad Nacional de las Artes de Argentina publica el plan de Composición Coreográfica con mención en Danza; en México, la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea ofrece una Licenciatura en Coreografía.

Antes de inscribirte, revisá el reconocimiento del título, los requisitos de ingreso, los contenidos de composición, las prácticas, los costos totales y los apoyos disponibles.

¿Se puede empezar si no bailaste desde la infancia?

Podés empezar con clases de danza y talleres de composición. Para ingresar a una carrera o compañía, revisá sus requisitos técnicos, de experiencia y de edad.

Si querés enseñar en el sistema educativo, investigá por separado las titulaciones docentes y los requisitos de la jurisdicción. Un curso de coreografía, una licenciatura artística y un profesorado pueden tener alcances diferentes.

Regulación y trabajo en algunos países de Latinoamérica

Los requisitos abarcan el ejercicio profesional, la contratación laboral, la producción de espectáculos y el acceso a la docencia o al empleo público. Para cada convocatoria, revisá las fechas, los requisitos y la modalidad ofrecida: empleo, beca, residencia o financiación de un proyecto.

Argentina

Regulación: la Ley 27.203 de actividad actoral incluye cuerpos de baile y determinadas funciones de dirección. Su aplicación a un encargo coreográfico depende de las funciones efectivas y del vínculo contractual.

Bolivia

Regulación: la Ley 1322 de Derecho de Autor contempla obras coreográficas cuya representación se fije por escrito o de otra manera. Esta ley regula los derechos sobre la obra. La contratación, la facturación y la docencia tienen requisitos propios.

Brasil

Regulación: la Ley 6.533 de 1978 regula profesiones artísticas y exige registro profesional dentro de su ámbito. Menciona la formación superior en coreografía entre las vías de acreditación y también contempla otras alternativas documentales, como la certificación de capacitación por la entidad sindical correspondiente. El procedimiento vigente de registro profesional mediante SIRPWEB debe revisarse antes de ejercer una actividad alcanzada por esa regulación.

Chile

Regulación: el Código del Trabajo contempla un régimen para trabajadores de artes y espectáculos que incluye expresamente a coreógrafos e intérpretes de danza. La norma distingue la relación de trabajo bajo dependencia o subordinación y admite modalidades vinculadas a funciones, obras, temporadas y proyectos. Podés consultar su origen y alcance en la Ley 19.889 sobre trabajo artístico.

Colombia

Regulación: la Ley 1493 de 2011 regula aspectos de los espectáculos públicos de las artes escénicas, incluidos los de danza. Establece obligaciones para productores y eventos que debés revisar si también te encargás de producir una función.

Costa Rica

Regulación: la Ley 8555 incorporó el Régimen Artístico al Estatuto de Servicio Civil. Su ámbito es el servicio artístico dentro del Poder Ejecutivo, con reglas de ingreso y clasificación de puestos. La interpretación de la Procuraduría sobre el Régimen Artístico explica ese alcance.

Ecuador

Regulación: el Registro Único de Artistas y Gestores Culturales, RUAC, acredita una inscripción sectorial basada en información y trayectoria verificable. El trámite oficial del RUAC admite portafolios, registros audiovisuales y otros documentos como evidencia.

México

Regulación: el capítulo XI de la Ley Federal del Trabajo, reformado en mayo de 2026, regula a personas trabajadoras artistas intérpretes o ejecutantes. La aplicación de ese régimen a un encargo de composición coreográfica depende de la actividad efectivamente realizada y de la relación de trabajo. La reforma de 2026 sobre derechos de artistas exige especificar las condiciones y remuneración del uso de imagen o voz mediante IA en los contratos laborales comprendidos por el nuevo artículo 305 Bis.

Perú

Regulación: la Ley 28131 del Artista Intérprete y Ejecutante, con sus modificaciones establece un régimen para esas actividades. El artículo 4.1 vigente remite a la definición de artista intérprete y ejecutante del artículo 2. El encuadre de un trabajo coreográfico se determina por las funciones realizadas y su relación con esa definición.

Uruguay

Regulación: la Ley 18.384, Estatuto del Artista y Oficios Conexos, contempla un régimen artístico y un registro nacional. El Banco de Previsión Social señala la inscripción como condición para quedar comprendido en el régimen que describe para artistas y actividades conexas. Consultá el encuadre de tu actividad y los aportes correspondientes.

Si querés trabajar en otro país, verificá además el permiso migratorio para la actividad concreta, la posibilidad de facturar o ser contratado, las obligaciones de seguridad social y el reconocimiento de títulos cuando corresponda.

¿Cómo se trabaja y de dónde pueden venir los ingresos?

Una carrera puede combinar varias modalidades, con distintos grados de continuidad y responsabilidad:

• Encargos de creación: una compañía, un artista o una productora contrata una obra o una intervención determinada.
• Asistencia y reposición: acompañar ensayos, documentar procesos o transmitir una obra bajo la dirección y autorización correspondientes.
• Producciones audiovisuales y comerciales: crear para videoclips, anuncios, televisión, cine, conciertos o eventos. El encuadre y la edición forman parte de las condiciones de creación.
• Proyectos propios: producir una obra, asociarse con otras organizaciones o buscar coproducción. Incluye la planificación del presupuesto, la financiación y la producción.
• Empleo en una institución: acceder a una función mediante los procedimientos y requisitos de la entidad, cuando existe el puesto.
• Docencia y talleres: una actividad posible si contás con preparación y cumplís los requisitos aplicables.

El programa Iberescena ofrece apoyos a residencias, coproducción y programación. Antes de postularte, comprobá los países participantes, la elegibilidad y las bases de la edición correspondiente.

¿Qué hacen los coreógrafos actuales para conseguir trabajo?

Para buscar trabajo, prepará muestras y porfolio, contactá equipos de producción y presentá propuestas acordes con sus proyectos. Las redes sociales ayudan a difundir tu portfolio y a contactar artistas, compañías y productoras.

Construir un portafolio que explique qué hiciste

Seleccioná fragmentos claros y, cuando sea posible, una obra o escena completa. Identificá el proyecto, el año, tu función, el elenco y los demás créditos. Si fue una creación compartida, explicá qué parte te correspondió. Pedí las autorizaciones necesarias antes de difundir imágenes y música.

Un video breve de presentación puede atraer una primera mirada; el registro completo permite evaluar estructura, desarrollo y trabajo con intérpretes. El dossier puede reunir una biografía breve, enlaces, contacto, propuesta artística y necesidades técnicas. Incluí también ejercicios y proyectos formativos, indicando su contexto y tu participación.

Entrar en equipos y desarrollar colaboraciones

Los laboratorios, las asistencias de creación y las colaboraciones con estudiantes y realizadores audiovisuales son espacios para adquirir experiencia y conocer equipos de trabajo. Antes de aceptar, acordá tareas, tiempos, créditos y remuneración.

Presentarse a convocatorias y proponer encargos

Leé las bases antes de preparar una postulación. Comprobá disciplina, experiencia, residencia, presupuesto admitido, documentación y obligaciones posteriores. Para un contacto directo, enviá una propuesta breve que explique por qué tu trabajo encaja con esa compañía, artista o productora y qué material puede revisar.

Para buscar asistencia o incorporarte a un elenco, usá los canales oficiales de la entidad. Buscá también por asistencia coreográfica, reposición, dirección de movimiento y creación escénica.

Desarrollar una especialidad y, en algunos circuitos, representación

La danza escénica, los conciertos y la publicidad requieren materiales de presentación y contactos diferentes. Como ejemplo de una carrera actual en el circuito comercial, la representación profesional de Del Mak presenta su trabajo en música, cine, televisión y espectáculos.

Usar herramientas digitales con criterio

La edición de video, los calendarios compartidos y las anotaciones de ensayo ayudan a comunicar una propuesta. Herramientas como Kinovea permiten observar el movimiento y anotar videos de ensayo.

También podés utilizar una herramienta de IA para ordenar un borrador de dossier o revisar si un presupuesto omitió partidas. Por ejemplo: pedirle que detecte información faltante en una propuesta ficticia de obra para dos intérpretes, con cuatro ensayos y una función. Revisá el borrador con el equipo y completá los datos del proyecto.

Problemas comunes y responsabilidades de la profesión

• Ingresos discontinuos: los períodos entre proyectos también tienen costos. Prepará un presupuesto que incluya investigación, ensayos, administración y gastos, además de la presentación final.
• Cambios de alcance: un encargo puede crecer durante el proceso. Dejá por escrito cuántas piezas, ensayos, versiones, funciones y revisiones incluye el acuerdo.
• Pagos demorados y cancelaciones: acordá calendario de pagos, condiciones de suspensión y quién asume los gastos ya realizados.
• Presión física y emocional: la carga de ensayos, la incertidumbre y la exposición a evaluaciones pueden afectar el bienestar. Planificá descansos, tiempos de recuperación y canales de apoyo dentro del equipo.
• Abusos de poder: el contacto corporal y las escenas íntimas requieren acuerdos y consentimiento del elenco. Establecé canales para comunicar situaciones de maltrato.
• Créditos y autoría: acordá cómo se reconocerán los aportes, en especial cuando el material nace de improvisaciones del elenco. Registrá las condiciones de reposición, adaptación y uso de la obra.
• Música, imagen y grabaciones: acordá los usos de la obra, la música y las imágenes en funciones, grabaciones, publicaciones y publicidad, y quién gestionará las autorizaciones.
• Uso de tradiciones culturales: investigá los contextos, reconocé a maestros y comunidades y acordá colaboraciones y atribuciones.
• Acceso desigual a oportunidades: la formación, los traslados, el tiempo disponible y las redes tienen costos. Compará becas, espacios públicos y opciones locales.
• Ofertas poco transparentes: identificá quién contrata, qué se hará y cómo se pagará.

Para revisar un contrato, distinguí honorarios por creación, ensayos e interpretación, si también vas a bailar; gastos y viáticos; derechos de uso; créditos; grabación; posibles reposiciones y cancelación.

¿Por dónde empezar si estás eligiendo esta profesión?

1. Probá la actividad: participá en una clase y en un taller de composición para observar si disfrutás crear, revisar y trabajar con otras personas.
2. Compará formación: reuní planes de estudio, requisitos de ingreso, costos y posibilidades de práctica. Preguntá qué prepara cada programa para hacer.
3. Investigá el trabajo de tu entorno: identificá compañías, productoras, festivales y espacios. Observá funciones y conversá con profesionales sobre su rutina, también sobre tareas administrativas e ingresos variables.
4. Desarrollá una pieza pequeña: elegí una propuesta realizable con los recursos y la experiencia disponibles. Documentá el proceso y pedí devoluciones concretas.
5. Prepará una primera presentación: armá una biografía honesta y un portafolio con créditos claros; buscá una oportunidad acorde con esa experiencia.
6. Evaluá tus condiciones: considerá tiempo, dinero, apoyos, cuidados y necesidades de accesibilidad. Podés revisar tu decisión a medida que conozcas la actividad.

Disfrutar del baile puede ser un comienzo. Para elegir coreografía también importa cómo te llevás con la observación, la repetición, las devoluciones, la coordinación de personas y la gestión de proyectos. Podés comparar este perfil con otras profesiones, consultar recursos de orientación vocacional y usar el test de orientación vocacional para explorar tus intereses y orientar la comparación entre opciones de estudio y trabajo.